Decca/库贝利克指挥的德沃夏克第九新世界交响乐

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安东·利奥波德·德沃夏克（捷克语：Antonín Leopold Dvořák，1841年9月8日－1904年5月1日），生于布拉格（时属奥匈帝国，现属捷克）内拉霍奇夫斯镇，早年入布拉格音乐学校，毕业后进行音乐创作，1890年受聘布拉格音乐学院教授；在此期间他受到祖国民族复兴、发展民族文化的思潮的影响，接触了西欧古典乐派、浪漫乐派的作品；1892—1895年春应邀在美国纽约音乐学院教学并任院长，回国任布拉格音乐学院院长，1904年去世；他是十九世纪世界重要的作曲家之一，捷克民族乐派的主要代表人物；《第9“自新大陆”交响曲》是他的主要作品之一。

第九交响曲
1892年， 美国纽约国家音乐学院聘请德沃夏克出任该院的院长，德沃夏克则应邀赴美。这部《第九交响曲》即是德沃夏克在美国停留的将近三年期间内，大约在1893年五月完成的作品。这部交响乐实际上是作者对于美国所在的“新大陆”所产生的印象的体现，曲中虽然有类似“黑人灵歌”与美洲“印第安民谣”的旋律出现，但德沃夏克并不是原封不动地将这些民谣歌曲作为主题题材，而是在自己的创作乐思中揉进这些民谣的精神而加以表现。将此交响曲命名为“自新大陆”者，正是作曲者德沃夏克本人。（也有译为“新大陆”或“新世界”交响曲）
全曲共分为四个乐章：第一乐章 序奏，慢板，e小调，4/8拍子。 此序奏部分颇为宏大，其主题与相继的主部快板部分有极其微妙的关系，担负一种连贯全曲的特殊任务，甚至可称之为全曲精神的中心旋律。乐章的引子部分由弦乐器、定音鼓和管乐器竞相奏出强烈而热情的节奏，暗喻了美国那种紧张、忙碌的快节奏生活 ； 乐章的主部主题 贯穿了全曲的四个乐章，其特性与居住于匈牙利和波西米亚境内的马札儿民族固有的民俗音乐具有共通的性质。这一特殊主题靠着巧妙发展，转达了不同于以往音乐世界的“新世界”的消息， 具有强烈的震撼效果。 德沃夏克当时背井离乡，乡愁蕴积，故而引用了他少年时期耳熟能详的民俗歌曲特质，以遣思乡念国的情怀。乐章中另一段优美的旋律透露出浓浓的乡愁,恰是作者这种心情的体现。
第二乐章 最缓板，降D大调，4/4拍子，复合三段体。 这一乐章是整部交响曲中最为有名的乐章，经常被提出来单独演奏，其浓烈的乡愁之情，恰恰是德沃夏克本人身处他乡时，对祖国无限眷恋之情的体现。整个乐队的木管部分在低音区合奏出充满哀伤气氛的几个和弦之后，由英国管独奏出充满奇异美感和神妙情趣的慢板主题，弦乐以简单的和弦作为伴奏，这就是本乐章的第一主题,此部分被誉为所有交响曲中最为动人的慢板乐章。 事实上，也正因为有了这段旋律，这首交响曲才博得全世界人民的由衷喜爱。这充满无限乡愁的美丽旋律，曾被后人填上歌词，而改编成为一首名叫《恋故乡》的歌曲，并在美国广泛流传、家喻户晓。本乐章的第二主题由长笛和双簧管交替奏出， 旋律优美绝伦， 在忽高忽低的情绪中流露出了一种无言的凄凉，仍是作者思乡之情的反映。 本乐章的第三主题转为明快而活泼的旋律，具有一些捷克民间舞蹈音乐的风格。
第三乐章 谐谑曲，从“海华沙的婚宴”中的印第安舞蹈中得到启发,舞蹈由快而慢地不停旋转。音乐有两个主题，第一主题轻快而活泼，带有跳跃的情绪；第二主题清丽、明快,富有五声音阶特色；两个主题彼此应和、模仿。 乐章的中间部分主题悠长而婉转，是典型的捷克民间音乐风格。
第四乐章 快板，奏鸣曲式。 气势宏大而雄伟，这个总结性的乐章将前面乐章的主要主题一一再现，同时孕育出新的主题，彼此交织成一股感情的洪流，抒发了作者想象中和家人聚首时的欢乐情景。乐章的主部主题由圆号和小号共同奏出，威武而雄壮；副部主题则是柔美、抒情性旋律,由单簧管奏出。这一切经过发展之后，形成辉煌的结尾。

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库贝利克
拉斐尔·库贝利克（Rafael Kubelik）生于捷克比霍里，其父扬·库贝利克是著名小提琴家、作曲家。1928-1933年就学于布拉格音乐学院，次年即指挥捷克爱乐乐团首次登台。此后至1936年他经常指挥乐团为父亲演出其六首小提琴协奏曲的其他小提琴和乐队曲伴奏1936-1939年任捷克爱乐乐团执行指挥，1942年升任艺术总监。1948年捷共接管政权时，库贝利克正在英国参加爱丁堡音乐节，由此脱离捷克，次年赴美国指挥芝加哥交响乐团。1955年就任柯文特花园歌剧院音乐监督，1957-1958年指挥纽约爱乐乐团。1961-1979年间出任巴伐利亚广播交响乐团首席指挥。

指挥风格编辑
有人在形容库贝利克走上舞台将要指挥时的情形时说到：“他从侧幕旁走出来，给人的感觉是身材高大、头发蓬松、衣着松散，他总是带着一副和善的面孔，使人看上去更像是一位心不在焉的教授，而不像是一位威严的指挥家，人们看到他高矗在指挥台上，用拳头紧攥住指挥棒，在乐队已准备好的时候，忽然地一挥手，在一个重拍下来之后，音乐便不停顿地喷发了出来..。”这就是库贝利克，一位气宇非凡的艺术家，更是一位修养深厚的指挥大师，虽然人们从外貌上并没有感觉到这一点，然而从他的每一个举动中，都是会给人们带来这种印象的，特别是当他正在指挥乐队演奏时，那奔腾不泄的音乐，便会将这一切都尽情地展现在人们的面前。
人物生平编辑
拉斐尔·库贝利克于1914年出生在捷克的皮霍里。他的家庭是一个典型的音乐世家，父亲扬·库贝利克曾是19世纪末到20世纪初的世界著名小提琴家，在当时是著名的塞夫契克小提琴学派的代表人物。拉·库贝利克出生在这样优越的家庭音乐环境中，确实获得了许多使他终身受益的因素。他从14岁开始进入布拉格音乐学院中学习钢琴、小提琴、指挥和作曲。19岁从音乐学院毕业以后，便于第二年与捷克爱乐乐团合作进行了首次登台指挥。在其后的两年多的时间里，他多次随父亲外出旅行演出，并指挥乐队为他的父亲伴奏。 1936年，22岁的库贝利克担任了著名的捷克爱乐乐团的指挥，正式开始了他一生繁忙的指挥艺术生涯。在这个举世闻名的大乐团中工作了三年以后，库贝利克接到了布尔诺民族歌剧院的聘书，并于1939年至1941年担任了这家歌剧院的常任指挥。 1941年以后，库贝利克重返捷克爱乐乐团，与上次不同的是，这回他已是这个乐团的首席指挥了。库贝利克在这个乐团中整整工作了七年，为这个历史悠久，又具有着光荣传统的乐团的继续发展，起到了十分重要的作用。 1948年，库贝利克辞别了祖国，来到了大洋彼岸的美国。在美国，库贝利克进行了广泛的活动，力图在这里显露出他的指挥才华，1950年，他终于如愿以偿，上任担任了三年美国芝加哥交响乐团的常任指挥。然而就在他在美国展开他的活动范围之后，英国著名的皇家科文特花园歌剧院又向他频频地招手了，这使得他于1955年重又回到了欧洲，担任了这家在世界上与斯卡拉歌剧院齐名的大歌剧院的常任指挥，在这段时期里，库贝利克指挥该院演出了大量的歌剧作品，其中还包括许多具有纪念性意义的演出，比如他曾指挥该院在英国首演了雅那切克的歌剧《耶努法》和柏辽兹的歌剧《特洛伊人》，而这些重要的活动经历，都使得他逐步获得了越来越广泛的世界声誉。 1961年，库贝利克又来到了德国，在这里，他担任了另一个著名乐团—慕尼黑巴伐利亚广播交响乐团的常任指挥，他在担任这个乐团的常任指挥期间，曾多次率领该团出国访问演出，为这个乐团赢得广泛的世界影响，起到了不可低估的作用。到了20 世纪的70年代，库贝利克又开始重返美国，他在1971年到1974年间担任了纽约大都会歌剧院的常任指挥，他在就职以后，力尽艰辛，克服了重重的困难，终于使这个剧院恢复到了正常的轨道上来。 1974年，库贝利克辞去了大都会歌剧院音乐指导和常任指挥的职务，来到了位于中欧的瑞士，并最终加入了瑞士国籍。此后，库贝利克又以捷克—瑞士双重指挥家的身分，继续活跃在国际音乐舞台上。
成就及荣誉编辑
热衷指挥事业双料指挥大师
库贝利克和许多人一样，也是一位集指挥家和作曲家为一身的双料指挥大师。作为指挥家，他曾取得了享誉世界的名声，而作为作曲家，他的才华也是广为人知的，据说这方面的才能他还是在布拉格音乐学院作学生时就已显露出来了。他从音乐学院毕业以后，就曾先后创作了许多各种体裁形式的音乐作品，其中包括两部交响曲、一首钢琴协奏曲、一首大提琴协奏曲、一首小提琴协奏曲，此外还有许多室内乐作品，一部歌剧《维罗尼卡》以及为悼念他的父亲而作的安魂曲等等。
指挥作品范围
库贝利克是一位指挥作品范围很广的指挥家，他既能指挥歌剧，也能指挥交响乐和其它体裁的音乐作品，从曲目的时代和风格上来看，他还是更善于指挥古典主义和浪漫主义的作品，其中特别擅长指挥戏剧性较强的作品，当然，在对待他的祖国的作曲家的作品方面，他的演释就更具有权威性了。从总体上来看，他对贝多芬、柴科夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、雅那切克和马勒等人的作品，有着更加精湛的理解和演释。
社会评价编辑
库贝利克是生于20世纪，长于20世纪，活跃于20世纪的指挥大师，他对世界指挥艺术所做出的巨大贡献也是在20世纪中，因此他可以说是最为典型的20世纪的优秀音乐家。他那精美的指挥艺术，也已被20世纪的先进录音技术录成了高质量的唱片而成为人们悉心保存的珍品了，然而这种保存绝不仅仅局限在20世纪，相信到了下一个世纪，它仍旧会被人们认为是最为有价值的指挥艺术文献而受到人们广泛重视。
库贝利克的名字对于专业音乐工作者和音乐爱好者来说应该是并不陌生的，他是20 世纪中非常活跃和有影响力的著名指挥家。除了以上提到的那么多一流乐团的音乐指导与常任指挥以外，他还是一位异常繁忙的世界性客席指挥，在他的指挥生涯中，曾经担任过包括欧美各国和世界上其它国家和地区的交响乐团的客席指挥，足迹遍布之广是使很多人都望尘莫及的，因此有的资料上曾说他在客串指挥方面是仅次于卡拉扬的第二号人物，这种说法准确与否我们先另当别论，但他是20 世纪中最繁忙的客席指挥之一，则是肯定无疑的了。
库贝利克是老一辈指挥家中精力充沛式的人物。他那高雅的艺术趣味和极有吸引力的气质，一直是被后代的青年指挥家们奉为榜样的，而在专业素质上，他也是有着十分突出的特点的人物。他有着高度的艺术鉴赏力、敏锐的音乐感受力以及清晰明快、自然稳健的风格和特点，人们在聆听他指挥演奏的作品时，以上的特征便会随着音乐的进行而极其自然流畅地表现出来。

维也纳爱乐乐团（Wiener Philharmoniker 或VPO：Vienna Philharmonic Orchestra）是目前最顶尖的古典交响乐团之一，成立于1842年，以纯正的德奥风格以及细腻美妙的音色闻名于世。从1860年起，这个乐团由团员自主经营，在德索夫指挥下举办定期音乐会。1870年，里希特担任该团指挥后，该团声誉渐起。而后，马勒、理查·施特劳斯、勃拉姆斯和布鲁克纳等著名作曲家或指挥家，都曾指挥该团演出。

这张唱片是decca的 ace of diamonds series  王牌钻石系列,
见下图,
在图中可以看到距边缘15mm有一条深沟,以及SDD立体声录音的编号标号，以及FULL FREQUENCY RANGE RECORDING的字样.
这一系例的标识使用在1965---1968年之间.

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Decca录音所特有的深阔音场，透明度一流的秀美音色，以及极其华丽自然的音域平衡度，已和其蓝红相间的商标一样，成为独树一帜，无可替代的招牌。

早在50年代立体声录音的萌芽时期，Decca公司的资深录音师威尔金森(K·E·Wilkinson)先生便开始在广泛的实验中探索如何利用最佳的条件调和出清澄的音色和宽阔的舞台空间感。他认为，唱片上的音乐只有包含光辉开放的音响和一些细致入微的空间响应，才能让人感受到如临现场的愉悦，听到最鲜活的效果。几经实验，他炮制了一种独特的麦克风摆放阵式。这种后来被称为“The Decca Tree”的“麦克风树”，是以一组位于支架左右的麦克风及另一只垂直在适当距离的麦克风为主，这三支话筒构成的“麦克风树”矗立舞台，配合其他麦克风的辅助，可以将单点与多点方式录音的优缺点加以妥协，创造出细致，平衡又不失动态的录音效果。

Decca古典录音中那种可以透视并给予听者无限想象力的音场空间感；以及那种逼真呈现艺术家动作，走位以及戏剧化场景的真实效果，正是依赖于这一录音哲学而得到保证的。至于非古典音乐的录音，Decca于70年代开发的“四相位录音法”(phase-4)开创了多轨录音的先河。这种可以有机安排录像定位的制作手段给予后处理较大的立体的效果同样令人惊讶，叹为听止。
最重要的一点是，Decca的每一项录音工程对录音地点的选择都可谓煞费苦心。这一点甚至连录音场地的交通状况都可能被考虑在内。一般情况下，Decca都会在事前派专人对录音场地进行反复考察，确定后立即进行改建，包括舞台的结构，观众的座椅，隔声设备等都经过复杂的修整布置，以满足不同录音所需要的不同空间响应。
早期Decca曾使用过的三座欧洲出色的音乐厅：日内瓦维多利亚厅和维也纳索芬音乐厅，后来都被证明是拥有最佳反射，混响时间的录音胜地。许多伦敦的乐团，瑞士罗曼德交响乐团以及维也纳爱乐乐团都在这些地方留下过千古不朽的名演，每一张唱片的音响都令人深爱不已。Decca是世界上较早投入数码录音研究的唱片公司之一，早在1978年Decca的研发部门便开始采用18bit数码设备记录了维也纳新年音乐会的实况。后来，Decca在数码剪接技术方面有所突破，其ADRM数码复制技术被认为是对珍贵的模拟录音最可以信赖的保存方式，这种重新数码化的母带保存技术可以将老录音去芜留菁，呈现最迷人的效果。