唱片评论

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众望所归

    《第一钢琴协奏曲》集中体现了巴托克音乐最激进的一面，刺耳，喧嚣，狂躁不安，既不动听，又难于演奏。首乐章一开头就有令人不安的预示，往下听，其主题特征居然是在乐队作切分节奏的背景配合下，以重叠八度的威猛的钢琴作长达、4次的同音捶击，音乐是这般闻所未闻的冲动，刺激。《第二钢琴协奏曲》的首乐章，乍听起来，仍旧是狂躁不安。节奏短促，铜管乐闪烁的光焰咄咄逼人。然而接下来的慢乐章却枪法一变，鼓声代替了号声，隆隆地滚过，仿佛夜色一阵阵地浓了。

     巴托克对先前创作的《小提琴协奏曲》非常喜欢，于是把它的第一乐章用于另一首作品中，另外从他的小品中取材而写了另一个乐章，并于1914年左右把它们组成《二幅肖像》。音乐的两个部分对比性很强，它虽然不是小提琴协奏曲，但在第一段中小提琴独奏却占了很重要的地位，音乐也十分迷人，而第二段则是一首狂热的舞曲。

     本专辑的一大卖点就是波尼里同芝加哥交响乐团及指挥阿巴多的精彩现场录音了。该录音还曾荣获1979年留声机大奖、1979年法国唱片大奖、1979年布鲁塞尔西西利亚奖、1980年格莱美大奖、1980年德国唱片大奖，几乎把业界的大奖都囊括了。怪不得《企鹅唱片评鉴》这样评价：“精湛技艺且有一股自发性：芝加哥交响乐团处于上佳的状态，生动的录音。”

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小提琴家什洛莫·敏茨(Sh-Iomo Mintz)1957年生于莫斯科，犹太后裔，从小和父母迁居以色列，并在那里长大。11岁时，在祖宾·梅塔指挥下，和以色列爱乐乐团举行首次音乐会。1973年，他在卡内基音乐厅举行首演，由斯坦伯格指挥匹茨堡交响乐团协奏。敏茨是位内向的演奏家，他的形象和音乐表现属于深藏内秀的类型。在当今这个崇尚外表华丽的时代，他的光采不免显得黯淡。

    门德尔松的e小调《小提琴协奏曲》，这首小提琴协奏曲作于1838-1844年间，于1845年首次上演。他所有的小提琴协奏曲中，这一首是最为著名的，与贝多芬的D大调，勃拉姆斯的D大调和柴科夫斯基的D大调小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。整部作品充满了柔美的浪漫情绪和均匀齐整的形式美，小提琴的处理手法精妙绝伦，旋律优美，技巧华丽，达到了登峰造极的境界，不仅是门德尔松最杰出的作品，也是德国浪漫乐派诞生以来，最美丽的小提琴代表作。有人甚至认为这部作品是小提琴协奏曲的“压卷之作”。

    德国作曲家布鲁赫的《g小调第一小提琴协奏曲》是一部脍炙人口的小提琴名曲，它感情丰富、浪漫抒情，深受人们的喜爱，是音乐会上经常演奏的曲目。在音乐爱好者圈定的“十大小提琴协奏曲”里它占有一席，优美而浪漫，旋律性强，容易使音乐爱好者上口。布鲁赫的《第一小提琴协奏曲》的第二乐章，也就是柔板乐章都写得异常恬美温柔，可以把人引入一种半催眠状态，心理学家把这两个柔板乐章与其它一些音乐的慢乐章编在一起，用于心理临床实验，一个作用是制造一种心理环境，进行语言记忆训练，另一个作用是克服失眠。这张荣获当年法国唱片大奖的唱片如今依旧受到乐迷们的疯狂追捧。两部协奏曲作品皆有强烈的个人风格及令人难忘的感染力，结合无懈可击的技巧……全力推荐!

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《蓝色狂想曲》是为钢琴和管弦乐队而写的类似单乐章的协奏曲作品，其中主题的即兴式表达同交响性的发展有机地结合在一起。黑人布鲁斯音乐的调式及和声因素、爵士音乐的强烈的切分节奏和滑音效果，都赋予这部构思独特的作品一种与众不同的色彩。格什温在这部作品中，对那些情绪全然不同的段落的安排，如抒情性与戏剧性，舞蹈性与歌唱性的对置，也颇具匠心。据说格什温是在去波士顿的旅途中创作《蓝色狂想曲》的，他事后曾这样描述：“那是在火车上，可以听到铿锵的节奏和隆隆的撞击声……我经常在噪音深处听见音乐。就在那里，我忽然从头至尾构筑出——甚至是跃然纸上……”由于格什温创作《蓝色狂想曲》的时间十分紧迫，他对配器没有把握，所以这首乐曲最初的配器是由美国著名作曲家格罗菲完成的。后来格什温又为这首曲子重新配器，这也就是现在演出的版本。

     巴伯最有名的作品，就是这首《为弦乐而作的柔板》。从一开始就笼罩全曲的那种忧郁气氛究竟得之子何方，只知觉得它似乎表述着一种难以名状的无尽哀思，仿佛可以穿透旷野和低迷的天际，远抵那难以触及的过去和未来，绵绵绝绝，无有终期，在这似人间又非人间的旋律之中，可以让人体会到另一种悲剧般的崇高情怀。1944年荣获普利兹奖的芭蕾舞剧《阿帕拉契之春》，描述资深拓荒者迎接春天降临，同时也向新生代传承经验，让新人们内心坚强，勇敢迎向不可知的未来。

     这次重推1984年的版本，而且是以优惠价面市，德意志唱片的目的就是想在乐迷中特别是年轻的一代中普及名家名作，让古典乐继续散发它那经久不衰的艺术气息。

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勃拉姆斯第一交响曲常被人们称作“贝多芬第十交响曲”，整个交响乐明显的有一种从阴暗到光明的感觉。开始的高音弦乐和低音弦乐的双向对奏加上定音鼓在中央C的敲击有气势地奠定了一个悲剧般的开局，就像黑夜一样。但第一乐章结束得却很柔和，这可能表明作曲家并不像荷尔德林那样悲观一一世界的太阳即将东升。第二乐章用单簧管的配器，带着光辉却不耀人地温暖地层开，有点像德沃夏克的第九交响乐第二乐章。第三乐章引出了正统光明的旋律，简洁的用铜管走出，整个乐思也从慢至快，但有节制；从低至高，亦有分寸。第四乐章像总结一样的将前三个乐章的氛围变换了一下，开始又是弦乐加定音鼓，弱到极强的变化。慢慢的重复了第三乐章的“光明”旋律之后，走出了勃拉姆斯的“欢乐颂”，它也是改自德国民歌，同样也是表达了人们行为的归宿终究还是快乐的意思。

    1809-1810年写作酉己乐《艾格蒙》期间，贝多芬浪漫主义的倾向已加深许多，这在一系列的歌曲在《艾格蒙》中已充分显示出来。因为当时对拿破仑一世感到非常失望的贝多芬，适时找到了他所喜欢的英雄人物“艾格蒙”。贝多芬在此戏曲上，除谱写了著名的《序曲》外，其它还有两首克拉芬的歌曲《军鼓声》、《喜悦与悲伤》、《幕间音乐》四曲，场景配乐《克拉芬之死》、《音乐话剧》、《胜利交响曲》等共九曲。曲子以奏鸣曲形式为基础，具有序奏部与尾奏等五个部分，从暗示悲剧的沉重序奏开始，最后高奏《胜利交响曲》，歌颂断头台上的艾格蒙伯爵而结束。

    两个深受欢迎的交响曲乐章慕尼黑爱乐乐团和克里斯蒂安·泰勒曼的演奏和指挥下碰擦出激烈的火花，是德意志留声机的又一次重磅出击!

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“愿高高在上的神以其神光，助可怜的人依此能有所帮助。”这是J.S.巴赫在他的《管风琴小曲集》开头所题的一句话。

    J.S.巴赫是一个虔诚的宗教徒，他一共为教堂创作了150首管风琴圣咏曲。管风琴圣咏曲是指根据教堂圣咏旋律作曲的一切管风琴曲。巴赫的职业是教堂管风琴师，事实上，他在生前也是因为管风琴的演奏而闻名于世。他的管风琴作品比别的任何一类作品都要多，不听巴赫的管风琴音乐，是难以了解巴赫的。巴赫从帕赫贝尔(Johann Pachelbel)和布克斯特胡德(Dietrich Buxtehude)这两个完全对立的派别中间汲取营养，把管风琴圣咏曲这种形式发展到了最高境界。他把帕赫贝尔追求的整体性和布克斯特胡德追求的局部的丰富性有机地统一了起来，从技巧上达到了后人难以逾越的高度。人们称这些结合了丰富的想象力和精湛高深的作曲技巧的非凡杰作为“像管风琴本身那样宏伟辉煌，是为上帝的荣耀而精心创作的；它们是至高无上的艺术品，也是滋润心灵的永恒源泉”。

    美国管风琴巨擘Michael Mur-ray是杜普瑞的得意门生，地道演奏引爆出管风琴堂皇、雄伟而充满力量与美的音色，置身乐声中，令人赞叹其力量之美。Michael可说是目前世界上排名第一的管风琴演奏家，他在Telarc所录制的数张作品，已被公认将是管风琴演奏的经典传世之作。相信这次他与百老汇Methuen音乐厅里的大管风琴的合作也会一如既往的精彩，敬请期待。

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1893年，普契尼根据法国古典名著《曼侬·莱斯戈》写了一部同名歌剧，在都灵上演。作为意大利真实主义歌剧的主要代表人物，普契尼在创作题材和内容方面，致力于表现普通人的情感和命运，真实地揭露社会的不平等、不公正，将满腔同情寄予那些心灵美好却遭遇悲惨的小人物。他笔下塑造得最成功的，是一系列感情丰富，悲剧性的妇女形象。《曼侬·莱斯戈》的结构灵活，采用多变的朗诵调和管弦乐交织而成的贯串发展手段，加强了乐队的表现力和地位，音乐的地方色彩浓郁。

    当代世界十大女高音之一的Mirella Freni一直认为，了解剧本对深入了解剧中的人物是至关重要的。通常，同一个故事，不同的剧作家会有不同的理解，也会有不同的表现方式。就比如《曼侬》中的女主角来自神甫普莱弗的幻想文学作品，由奥贝尔、马斯涅和普契尼作曲，中间还经过了写剧本人的手。他们每一个人都抓住了女主人公在性格、生活、爱情和死亡过程中的特征。

    Mirella Freni既演过马斯涅的《曼侬》，又演过普契尼的《曼侬》。为此，她除了认真阅读了剧本外，还煞费苦心地了解两个作曲家的意图，因此演出了两个不同的曼侬。她迄今已经唱了40余年，也红了40余年，也许这就是她艺术生命持久而旺盛的秘诀了吧。

     之前《留声机》杂志给与了极高的赞许，称该版本“音质具空间感，自由奔放，带出剧场感及西诺波里的独有诠释特征，同时充满抒情的暖意”。而“多明戈／高云花园皇家歌剧院合唱团/英国爱乐乐团/西诺波里”这样的组合也是十分吸引耳朵的，你还在犹豫什么呢?

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5月18日，德意志留声机公司发行中国青年钢琴家郎朗的新专辑一一贝多芬第1、4钢琴协奏曲。该专辑由Eschenbach指挥巴黎管弦乐团担任协奏。附赠的DVD中，还包括了22分钟的郎朗关于贝多芬第4协奏曲的访谈和演出片段。

    这是郎朗首次演绎乐圣贝多芬作品的专辑，还未发行时就已吊足了媒体和乐迷们的胃口了。专辑中最出彩的就是郎朗与著名钢琴兼指挥大师Eschenbach的一次质感强烈、透彻非凡的完美合作。

    郎朗已经无须在乐迷面前证明什么了，他已经成为国际乐坛的超级巨星。但在评论家那里则是另外一回事，他的迅速走红是不是太快了?他在艺术上是否走向成熟?种种质疑经常出现在媒体评论中。作为郎朗的“粉丝”们都非常期待他在最新的贝多芬协秦曲专辑中能够表现出更为成熟的一面。

    唱片一开始，扑面而来的是雄浑厚实的乐队声浪——巴黎管弦乐团纯净、率真的伴奏。从钢琴的第一次进入，焦点就聚集到郎朗这里。他指下的贝多芬第一钢琴协奏曲显示了一种快乐的亲和力，让节奏保持明快和轻盈，间或地出现剧烈的敲击成为乐曲的标点。慢板的旋律线听起来非常精巧，体现出莫扎特式的忧雅。最后乐章有更多的能量释放，并延续着第一乐章的精致处理。对郎朗的真正挑战来自第4钢琴协奏曲。这是一部很深沉的作品，也很适合郎朗敏感的风格。郎朗更多地把注意力放在了作品的均衡和抒情方面。当然，他也不失时机地在第一乐章给自己精湛的手指功夫一次集中展示机会。最后乐章，没有达到塞尔金白热化的水平，节奏有一点拘谨。

    总之，这些演出的音乐性足以让评论家们抛开对郎朗的怀疑。希望他们能真诚地聆听，而不是让“年轻”、“不成熟”这样的概念先入为主了。

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这是环球DG公司为刚刚过世的大提琴泰斗与斗士罗斯特罗波维奇推出的新专辑。其实也是老录音的新版本。这款双张版的CD，收录了罗斯特罗波维奇年轻时的多部经典演录，CD I上包括圣桑的“A小调第一大提琴协奏曲”和舒曼的“A小调大提琴协奏曲”，这两部作品的录音分别出自1953年和1954年，由前苏联老一辈大师斯托里亚诺夫和萨莫苏德指挥全苏广播交响乐团和莫斯科爱乐乐团演录。  迄今为止，世界各大唱片公司为这两部大提琴协奏曲经典已经推出了众多的版本，不过，罗斯特罗波维奇的这两款单声道录音无论从技巧。

    深度以及录音品质，都显示出大师级的水准，甚至其它版本达不到的高度，CDⅡ上，则汇集厂罗翁演录的比较短小的作品。其中包括肖邦的“引子与波罗乃兹”、帕格尼尼的“无穷动”，还有博罗丁的《伊戈尔王》中的选段。普罗科菲耶夫的芭蕾音乐中的选段等；两张CD上的演录，都出自上世纪50年代的录音：不管是与大型管弦乐团还是与一架钢琴合作，不管是从大部头的协奏曲，到精致玲珑的小品，都显示出这位乐坛泰斗完美的技艺与对作品深入挖掘的深厚功力，以及与合作者精致默契的配合能力。

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“雨林”推出的唱片，最突出的特点就是大量使用年轻新秀；这位名叫王琚的女歌手领衔演录的这款专辑，便又成其“特色”的一例。据悉，王瑁2000年考入星海音乐学院，2004年甫一毕业，便被“雨林”招入麾下，参与录制了《樱花季》。同年她又加入了南方歌舞团，成为独唱演员。这款专辑起名很别致：直接使用她的名字。要不是看看专辑附上的资料，可能不少听众还不知道王珺是何许人也。既然这样年轻就被唱片公司看好，  自然演唱的功夫不俗。专辑共收录了她演录的12首歌曲，其中大多数是适合新生代听众欣赏的流行金曲。当然也有少许民歌老调，唱片的第一曲便是江苏风格的“太湖美”。王珺演唱这样的老民歌除音质上亮度稍欠以外，也很够份。没想到通俗唱法也能将地道的民歌演绎得如此深情，只是太湖的生态环境已今非昔比，近日恰逢“蓝藻”污染，让这样的赞美之歌成为了反讽。欣赏王琚的演唱，总的感觉是她的歌极富青春气息。无论是其他青春少女歌手演唱过的“向左转向右转”、“想把情人留”，还是更带有新潮风格的歌曲“话题”、“美丽的神话”，王瑁的演唱都能找到歌曲的感觉，让人听起来不乏味，再有，她的英文歌曲演绎能力很较强，如那首“决不说再见”(Never Say Goodbye)，吐字行月空腔都没有什么破绽。专辑的录音很注重人声与器乐的平衡，是“雨林”人声专辑中做得较成功的一面。

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这是两位原籍拉丁国家的钢琴大师少有的联袂演录，因此很值得欣赏收藏。一位是出生于阿根廷阿格里奇，爱乐友们最熟悉的“音乐大祭司”；另一位是出生于巴西的尼尔森·弗莱雷(Nilson Freire,1944-)，其知名度似乎不及阿格里奇，其实他出道较早，演出地点也遍布全球各地，包括南美、欧洲、美国．加拿大、以色列与日本。他于1990年定居巴黎。除了出色的弹奏技巧，微妙的音色与轻松驾驭各种困难乐曲也是弗赖雷最为乐评称许之处。总之，能被ENI列入20世纪伟大钢琴家系列之中，并与阿格里同台灌录专辑，当然吸引了众多乐迷的眼球。专辑收录的主打曲目是拉赫玛尼诺夫为双钢琴而作的第二号钢琴组曲。该曲从时间上看，极富感染力。接下来，是拉威尔的双钢琴圆舞曲，两人将作品中施特劳斯的旋律和印象派的飘渺巧妙地结合起来。最后一曲是卢托斯瓦夫斯基的《帕格尼尼主题变奏曲》，也是作曲家的代表作主一。两位大师又将这部属于20世纪的钢琴作品演绎出了独特的个性。难得的合作演录，难得的版本，绝对值得欣赏收藏。